近几年来，随着时代的进步，中西方文化交流的快速发展，歌剧这门艺术已经被越来越多的中国观众所接受。同时，人们也开始喜欢上了这种起源于意大利的“西洋唱法”，学习这种科学发声方法的队伍正在不断壮大起来。正确掌握“美声唱法”以后，歌唱者可以拥有具有穿透力的声音和长时间的演唱能力，可以坚持一台个人独唱音乐会甚至一套完整的歌剧演出，而且歌唱者又能够通过对声音的控制,准确的表达出自身的真实情感，使其演唱具有强烈的艺术感染力。

　　目前，我国已经涌现出很多优秀的声乐理论研究者和歌唱家，他们根据不断的实践，对各种不同的教学方法、手段进行比较和鉴别，将它们的优点兼收并蓄，逐渐地修正和完善了声乐教学的理论。这对学习者来说是一件很庆幸的事情，因为除了有优秀的专业教师外，声乐教学也已经从一种“只能意会，不能言传”的状态转变为有明确、系统的理论可遵循的教学形式，同时又有大量的影音资料和文献供音乐爱好者作为参考，这为学习提供了便利的条件！那么，是不是这样一来学习声乐就变得很简单了呢？只要努力认真的学习就可以成为一位好的歌手了吗？答案是否定的。因为声乐是一门抽象性的学科，这有别于竞技类的科目，并不是训练的强度越大就一定会取得相应的成绩。因此，让声乐学习者树立起科学的发声理念是学习声乐的首要任务。

（一）树立正确、科学的发声观念

　　意大利伟大的作曲家罗西尼曾说过：“要唱好意大利歌剧必须具备三个重要的条件：第一是好声音，第二还是好声音，第三还是要有好的声音”。这种讲法并不是说在演唱中只要有好的声音就有了一切，而是强调声音在歌唱中的重要地位，美好的嗓音和较强的歌唱能力是声乐艺术的基础。可是歌唱时声音的感觉是看不见、摸不着的，因此，它的抽象性决定了我们学习声乐的道路必定是曲折、艰难的。

　　许多艺术院校毕业的声乐专业的学生，在经过了长时间的训练后，并没有把老师给予的东西完全理解和掌握，有的人到了大学毕业还是没有太多的进步，有的甚至偏离正确的道路越来越远，最终不得不放弃专业的学习。这都是很常见的事情，正是因为他们对正确的声音没有概念，不知道自己练习的对与否，没有具体目标的、盲目的练习所造成的后果。

　　在拥有了科学的发声概念之后，学习者自身的悟性的高低也是能否获得美妙音色的关键。有一些自认为掌握正确歌唱理论的学生在课余时间非常的认真，不但一丝不苟的按照理论进行相应的练习，而且还浏览大量的曲目，可是还是会出现学习不得要领，停滞不前的情况。因为他们很难把书本中那些明确、直接、具体的理论同实际的学习相结合，在练习时反复巩固的其实还是自己原有的缺点，最终步入迷途，难以自拔。这就要求我们在练习的时候除了拥有理论基础外，还要保持清醒的头脑，不能机械的、生搬硬套的用理论来应用于演唱。那么，到底应该怎么办才能避免出现以上这样的问题呢？学习者可以请老师结合自身的具体问题，制定出有针对性的学习计划，帮助自己在初级阶段提高对声音的听辨能力和对声乐理论的理解能力，这将是声乐学习的很好的起步！

　　理论来源于实践，又能够指导实践。学习者在学习的过程中，一定要有正确的理论为基础，才能知道自己如何行动，要明白正确的歌唱到底是怎么样的，才能更好地去有意识的练习。如果说好的声音是歌唱艺术的基础，那么科学的发声理念就是基础的基础。

　　一个歌唱者，是不是通过理论指导，认真的练就了好的声音就可以了呢？随着我国声乐演唱水平的不断提高，每次重大的声乐比赛都会显露出很多拥有漂亮音色的歌手，但是却会令人过目即忘，原因何在？他们和真正的歌唱艺术家之间的差距是什么呢？

（二）以情带声，以声表情

　　声乐演唱是一门综合性的舞台艺术，它与表演紧密地结合。从我国许多的声乐赛事可以看出一个普遍的问题：同样的一首作品，不同的人演唱出来的效果大不相同，而且并不是声音漂亮的那位就一定获得高分，这个问题在美声唱法中最为明显。接下来我要说的就是：美声演唱的学习者，除了注重对声音的学习以外，有没有学会用心来歌唱的问题。

　　意大利歌剧发展到中期的时候，曾出现过这样的问题：拥有华丽嗓音和高超技巧的歌唱者们，为了显示自己的歌唱能力，在演唱时不顾内容的任意炫技，在一定程度上将歌剧艺术带入一种崇尚浮华、不顾内容的艺术倾向。今天，我们同样惧怕这种“为了歌唱而去歌唱的”事情发生，观众想要看到的不是发声的机器，而是演员通过歌唱塑造出的鲜活的艺术形象。因此，歌唱者在学习的时候一定要注重以情带声，以声表情，声情并茂的去歌唱，才能够感染听众，唱到人们的心坎儿里。由老一辈艺术家郭兰英老师演绎的歌曲《我的祖国》至今仍是广为流传，深受广大群众的喜爱。它能够成为经典之作，除了证明作曲家和词作者创作了优秀的作品，还有就是演唱者能够通过激情饱满的演唱传达出来的厚重、深远的爱国感情。每次听到这首歌的时候，都会被歌曲中描绘的美丽景色所感染，也会被歌曲中流露出来的情愫深深地打动，一种作为中国人的骄傲、自豪之情油然而生。

　　近些年来，我国的作曲家已经创造出许多优秀的声乐作品，非常适合美声的学习者来练习，这实在是声乐爱好者的一个福音！因为国外传入的艺术歌曲和歌剧唱段，大多是用原文歌唱，演唱者由于只能从翻译出的字面意思上去理解，这对歌唱者深入分析角色的内心世界是有很大影响的，因此，学生在学习的初级阶段一定要多唱些中国原创的艺术歌曲，这对训练声情结合是很有帮助的。当然，演唱中国作品的时候，不要只是把旋律、节奏、歌词解决就可以了，这只是歌唱的最低要求。要想获得完美的艺术效果，必须在作品中融入自己的真挚情感，才能塑造出深刻的、感人肺腑的艺术形象！

　　想把作品中人物的心境表达的淋漓尽致，对歌唱者的整体要求是非常严格的，这包括文化水平、知识、美学观点、专业素质、学习态度以及理解能力等多个方面。我国的艺术歌曲有许多是在诗词的基础上发展起来的，如《春思曲》，《清明》，《自君之出矣》，《静夜思》等，如果歌唱者连诗词的内容都无法理解的话，就很难把人物的情绪准确的表达出来。因此歌唱者要不断的用理论来武装自己的头脑，增强自己的素质修养和文化底蕴，才能具备理解作品的能力，才能注意歌曲在情绪上的变化发展，否则很难对作品做正确、到位的诠释。

　　近期也产生了一些融入民歌因素的艺术作品。如郑秋凤作曲的《帕米尔，我的家乡多么美》就是一首有浓郁的新疆风格的歌曲，前三加后四的7/8拍子属于典型的新疆手鼓节奏，这是作品中最突出也最有特色的地方，因此在演唱时一定要突出这种律动的感觉，才能把这首作品的欢快，赞美的情绪以及当地手鼓节奏的舞动风格表现到位。由当代著名作曲家徐沛东创作的歌曲《啊，巴颜喀拉》，采用了藏族音乐与节奏为素材，首段宽广舒缓的节奏犹如在山间呼喊，中段采用的藏族舞蹈韵律的节奏，值得一提的是此曲采用了藏族民歌演唱的缜固的润腔手法，使此曲的藏族风味更加浓郁。此类作品还有《船工号子》、《美丽的草原我的家》、《思念》等，如果脱离了这些作品中特定的民族因素，很难表现出作品的特性。这就要求我们在平时应多接触不同历史时期，不同作曲家，不同风格流派的作品，按作品要求的风格，特色，以及民族的审美习惯对作品进行准确的艺术设计，表现艺术作品的民族风格，锻炼自己对民族声乐作品的演唱能力。

　　综上所述，学习者应该深入地观察、体验生活，丰富生活阅历，提高自己对音乐作品的理解能力和感情的表现力。面对新作品的时候，要做全方位、细致的分析，除了歌词内容以外，还应该考虑到作品产生的时代背景，作者本身的生活经历以及他的人生观和价值观，体会作者创作的本意，利用声音的刚与柔，强与弱，亮与暗以及收与放来表达所塑角色的不同情绪，准确的表达出作品的内容和艺术风格，对作品做出艺术性的二度创作，这才是艺术歌唱的目的。

（三）演唱中国作品的难点-----如何咬字

　　我国古代早有“言之不足，故嗟叹之；嗟叹之不足，故咏歌之。”这足以说明：歌唱是在语言的基础上发展起来的以及语言在演唱中的重要地位。我国过去的老艺人曾说过：“咬字千斤重，听者自动容。”一个歌唱者只有让听众知道演唱的内容，才会继续聆听。西洋歌剧和清唱剧等大型声乐作品中的宣叙调，就是一种带有音高的朗诵，在气息的支持上去高位置的说话。在美声唱法传入我国的早期，在一般观众的心目中，很难理解这一陌生而艰辛的艺术，我想语言障碍就是其中最大的问题。不管你的声音有多美妙，表演的有多到位，哪怕是演员唱到伤心落泪，观众还是只知道你很悲伤，却不能再深一层次的去理解，难传真谛。现在我们已经有了依照中国语言创作的艺术歌曲，终于可以和观众进行直接的交流了。